En una noche donde la escena quiso devorarlo todo, fue la voz —luminosa, firme, indomable— la que terminó imponiendo orden. La Juliette de Nadine Sierra se alzó sobre el vértigo visual y recordó que, incluso en el caos, la ópera respira desde el canto.
La noche en el Teatro Real se presentó como un campo de tensiones: una puesta que aspiraba a la transgresión y una partitura que reclamaba intimidad. Esa fricción fue el pulso de la velada y el hilo conductor de la crítica firmada por Pablo L. Rodríguez en El País.
La Juliette que iluminó el vértigo
En medio del estrépito escénico emergió la figura de Nadine Sierra, cuya Juliette no se conformó con atravesar la partitura: la habitó. Su canto ofreció una claridad y una intención que devolvieron sentido a los pasajes más frágiles, convirtiendo arias que podían perderse en la vorágine en momentos de verdad sonora. Sierra fue, en suma, el faro que ordenó la noche.
La propuesta de Thomas Jolly quiso ser un manifiesto visual: oxímoron tras oxímoron, imágenes que buscaban reescribir el drama romántico en clave contemporánea. La ambición era legítima, pero la acumulación de estímulos —coreografías, máscaras, giros escénicos— terminó por competir con la música y por fragmentar la atención del espectador. La puesta, poderosa en la idea, se desbordó en la ejecución.
La iluminación, concebida como arma dramática, rozó la agresión: destellos que castigaron al patio de butacas y que, según la crónica, provocaron reacciones entre el público. Esa violencia lumínica transformó la sala en un territorio donde ver a veces anulaba la posibilidad de oír con recogimiento. El equilibrio entre espectáculo y escucha quedó, por momentos, roto.
El foso que buscó respirar
En el foso, la batuta trató de sostener la cohesión. Carlo Rizzi y la orquesta ofrecieron oficio y momentos de verdadero pulso dramático, y el coro respondió con empuje; sin embargo, la dirección musical tuvo que lidiar con una escena que no siempre le permitió respirar. La tensión entre foso y escenario fue una de las claves de la noche.
El reparto secundó con profesionalidad los vaivenes de la propuesta: Javier Camarena aportó lirismo y seguridad en los pasajes culminantes, mientras los comprimarios y el coro salvaron instantes que la puesta ponía en riesgo. Fueron las voces, más que la escenografía, las que sostuvieron la emoción cuando la puesta amenazaba con dispersarla.
Queda, al final, la sensación de una velada valiente y desigual. La lección que extrae la crítica de Pablo L. Rodríguez es nítida: la modernidad en la ópera exige tanto audacia como contención, y la voz sigue siendo el eje capaz de dar sentido a la extravagancia. En esa noche del Real, la voz iluminó desde dentro lo que la puesta quiso incendiar desde fuera.
Fuente: El País
